python_regius | Entries tagged with history of art

http://www.hieronymus-bosch.org/86332/The-Cure-of-Folly-(Extraction-of-the-Stone-of-Madness)-1475-80-large.jpg

На первый взгляд, здесь изображена обычная операция, которую хирург почему-то проводит под открытым небом, водрузив себе на голову воронку. Вероятно, здесь высмеивается персонаж ярмарочного фарса — простачок или муж-рогоносец (книга, положенная на голову женщине, понималась как «руководство» для жуликов и обманщиков). Перевёрнутую воронку, надетую на голову хирурга, объясняли как намёк на рассеянность учёного мужа, но в контексте фарса она скорее всего служит признаком обмана. По другой версии, закрытая книга на голове монахини и воронка хирурга соответственно символизируют, что знание бесполезно, когда имеешь дело с глупостью, и что врачевание подобного рода — шарлатанство. Голландское выражение «иметь камень в голове» означало «быть глупым, безумным, с головой не на месте». Во времена Босха существовало поверье: сумасшедшего можно исцелить, если извлечь из его головы камни глупости. На картине, вопреки ожиданиям, извлекается не камень, а цветок, ещё один цветок лежит на столе. Установлено, что это тюльпаны, а в средневековой символике тюльпан подразумевал глупую доверчивость.

"Любовь слепа" ?

http://images.artnet.com/artwork_images/1161/45634.jpg

One interpretation is that the shrouds are symbols for the adage that "love is blind." The truly devoted lover would recognise his soul mate in any form. Therefore, the lovers' facial features are their least important attribute. True love fills in the emptiness of the shroud.

"Любовь слепа" ?

http://nam-nam.es/n/images/schlaraffenland2-450x321.jpg

Стихотворное изложение сказки о вымышленной стране бездельников было дано Гансом Саксом и появилось в 1536 году в Нюрнберге. Возможно, именно оно послужило основой для прозаической интерпретации этой сказки, изданной в Антверпене в 1546 году и имеющей много общего с сюжетной канвой картины Питера Брейгеля. Но вряд ли картина создана как иллюстрация к сказке. Eё замысел кажется гораздо шире и имеет определённую направленность: острое жало, разящее бездейственность и инертность общества, предающегося пустым мечтам о благоденствии.

Чтобы попасть в страну лентяев, нужно было проесть проход в горе из каши, изображенной на картине в правом верхнем углу. Попавший в неё сразу замечает жареного поросёнка, бегающего с ножом в спине, плетень из колбасы, покрытую пирогами крышу шалаша и бесчисленное множество других лакомств. На пороге шалаша лежит с открытым ртом человек, только что попавший в страну, ожидая, что ему в рот влетит жареный голубь.

В центре картины лежат распластавшись вокруг дерева, словно спицы колеса, три человека, достигшие предела своих желаний. По одежде и предметам, им принадлежaвшим, в них можно распознать крестьянина, солдата, учёного или священнослужителя. О сказочной сытости, которую Питер Брейгель изобразил в 1567 году на своей картине, в то время не могло быть и речи. Герцог Альба вошёл во главе испанских войск в Нидерланды. На картине изображена утопия благополучной жизни. Замечательная по своей простоте композиция в центре картины, символизирующяя колесо фортуны, только усиливает это впечатление. Одновременно чувствуется и некая ирония от происходящего: ведь обжорство и леность считались пороками во все времена.

http://persephone.cps.unizar.es/~spd/Pre-Raphaelites/Big/KingCophetua.jpg

По преданию, король Кофетуа совершенно не интересовался женщинами, пока однажды не встретил бледную, босую девушку-нищенку, одетую во всё серое.
     «Как льёт Луна сквозь тучи нежный свет,
      В своих лохмотьях так она нежна,
      И в мире никого красивей нет,
      Стройнее и изящней, чем она.»
Девушка оказалась не только очень красива, но и добродетельна. Кофетуа влюбился и сделал её своей королевой.
Бёрн-Джонс опирался на стихотворение The Beggar Maid (Alfred Tennyson), написанное в 1612 г. Оно повествует о короле Африки, который испытывал отвращение к женщинам, а затем влюбился в нищенку.
     <<Быть ей опорой счастлива земля,
      Лицом и грацией – вся ангел неземной,
      И вождь клянется честью короля,
      Что нищенку он сделает женой>>

http://persephone.cps.unizar.es/~spd/Pre-Raphaelites/Big/IsabellaAndThePot.jpg

Картина изображает сцену из одноимённой поэмы английского поэта Джона Китса, когда Изабелла ласкает горшок с васильками, в котором она закопала отрезанную голову своего любовника Лорензо. Картина изображает Изабеллу, страдающую бессоницей. Изабелла одета в полупрозрачную ночную рубашку и только что встала с постели, которая видна на заднем плане. Она облокотилась на созданный для Лорензо инкрустированный аналой, над которым развешена богато украшенная скатерть. На ней горшок-майолика, украшенный черепами — в нём погребен череп Лорензо. Богато украшенные волосы Изабеллы лежат вокруг цветущего растения. Китс так описывает эту сцену:

«…hung over her sweet Basil evermore,
And moistened it with tears unto the core…»

Акцент на чувствительности, яркости красок, тщательно продуманных декоративных элементов отражает черты декоративного движения в искусстве того времени и имеет черты, сходные с картинами других членов Братства Прерафаэлитов, например, с картиной Миллеса Джона Эверетта «Pot Pourri» и «Venus Verticordia» Данте Габриэля Росетти. Поза Изабеллы также напоминает скульптуру Томаса Вулнера «Цивилизация».

http://www.vermeer-foundation.org/Girl-Reading-a-Letter-at-an-Open-Window-1657.jpg

На картине в центре комнаты изображена в профиль молодая девушка перед открытым окном. На переднем плане находится стол, на котором в складках скатерти стоит ваза с фруктами. Взгляд девушки обращён на письмо, которое она держит в руке, её лицо отражается на оконном стекле. Как показала рентгенограмма, занавес на правом крае картины появился позднее, скрыв изображённого там изначально купидона. В картине ощущается скрытый эротический подтекст. Так, яблоки и персики в фруктовой вазе являются намёком на грехопадение Адама и Евы. Открытое окно трактуется как желание вырваться из замкнутого помещения.

http://1.bp.blogspot.com/_Iycg7DQeLG8/SRdx_ja96eI/AAAAAAAAALI/1nI9nemJsh4/s400/miro46.JPG

http://www.surrealists.co.uk/artistsimages/JoanMiro-DutchInteriorII1928.jpg

http://dreamdogsart.typepad.com/.a/6a00d8341c192953ef010535e963d6970b-800wi

Joan Miró (1893-1983). Two interior scenes by 17th-century Dutch masters Hendrick Sorgh and Jan Steen inspired him to create a series of three paintings, which represent one of the highlights of Miró's early surrealistic work.

In May 1928, Miró travelled from Paris to the Netherlands and included the Rijksmuseum in his itinerary. He also took two home two postcards, which were colour reproductions of paintings from the Rijksmuseum collection: The lute player by Hendrick Martensz. Sorgh (1661) and Children teaching a cat to dance better known as The dancing lesson by Jan Havicksz. Steen (c. 1660-1679). Both paintings feature a musician, surrounded by one or more listeners, a cat and a dog. In the Dutch interiors, the scenes undergo a complete metamorphosis, as Miró captures these figures in his own surreal fantasy world. In summer 1928, during a visit to his studio on the family farm Montroig in Catalonia, Miró drew inspiration from these two picture postcards, creating the three paintings later entitled Dutch interiors. Rather than working spontaneously as he usually did, he prepared an extensive series of sketches and drawings. The paintings are currently part of the collections of the Museum of Modern Art (New York), the Peggy Guggenheim Collection (Venice) and the Metropolitan Museum of Art (New York). The postcards, sketches and drawings were donated by Miró to the Museum of Modern Art and the Fundació Joan Miró (Barcelona) in the seventies.

By working in this way, Miró subscribed to a long tradition of ‘creative copying’, whereby artists reinterpreted the masterworks of predecessors, using them as a source of inspiration for new artworks.

Nine scraps of paper with sketches of faces of men with beards have been pasted into medallions. These scraps once formed part of a sheet of studies drawn by Anthony van Dyck with black ink. He used these sheets of model drawings in his studio as examples for himself and his pupils. Some of these faces were based on those kept by his own teacher, Peter Paul Rubens. rijksmuseum.nl

This cheerful figure was found in St Mary's church in Utrecht. It was cast by an unknown artist in bronze in the twelfth century. The costume is rather unusual: the figure is wearing a pointed hat and sort of jabot, while the cloak is tied together with an ornately knotted belt. On the left shoulder is a kind of wing: another probably once extended from the other shoulder too. The lower half of the figure is now lost, as are the hands. rijksmuseum.nl

It looks as if the De Moucheron family are having a meal around a table. But that's not the case. The artist has simply used the table as a means of arranging the family scene. At the centre is Pierre de Moucheron (1508-1567), a merchant in Middelburg and Antwerp. He and his equally enterprising sons figured at the dawn of the Dutch Golden Age. rijksmuseum.nl

"The naturalism of seventeenth-century art is inextricably bound up with a metaphysical view of the world. It is for this reason that the familiar objects of visible reality may be looked on as emblems of a higher invisible reality." (Martin, 119) ( Read more... )

A small, richly decorated priest's bell from Indonesia. The bronze hand bell was used in Buddhist rituals. Such hand bells are still used by Buddhist priests, for instance in Bali, Nepal and Tibet. But they are rarely as finely made as this example. The priest's bell consists of three parts: the domed body of the bell itself, the handle and the top. Four adjacent heads form the handle. The upper part (varja) consists of four sickle-shaped protrusions around a pin. rijksmuseum.nl

The work of the Austrian painter and illustrator Gustav Klimt, b. July 14, 1862, d. Feb. 6, 1918, founder of the school of painting known as the Vienna Sezession, embodies the high-keyed erotic, psychological, and aesthetic preoccupations of turn-of-the-century Vienna's dazzling intellectual world.

Love
1895 (90 Kb); Museum der Stadt Wien, Vienna
Detail of a well-dressed woman closing her eyes and abandoning herself to her first kiss. A gypsy-like man looks down on her about to kiss her.

He has been called the preeminent exponent of ART NOUVEAU. Klimt began (1883) as an artist-decorator in association with his brother and Franz Matsoh. In 1886-92, Klimt executed mural decorations for staircases at the Burgtheater and the Kunsthistorisches Museum in Vienna; these confirmed Klimt's eclecticism and broadened his range of historical references. Klimt was a cofounder and the first president of the Vienna Secession, a group of modernist architects and artists who organized their own exhibition society and gave rise to the SECESSION MOVEMENT, or the Viennese version of Art Nouveau. He was also a frequent contributor to Ver Sacrum, the group's journal.
( Read more... )

Love
1895 (90 Kb); Museum der Stadt Wien, Vienna
Detail of a well-dressed woman closing her eyes and abandoning herself to her first kiss. A gypsy-like man looks down on her about to kiss her.

As the inscription testifies, these goblets celebrate fifty years of marriage of the Utrecht regent Jan Jacob van Westreenen, Lord of Lauwendrecht and Catharina Mamochet, Lady of Hoedringen. Their golden wedding anniversary fell on 25 August 1759. The date appears in the inscription on the right goblet, the capitals in the motto 'Geluk ô eDeL paar Met 't Vyftigst huwLYK Jaar' forming a chronogram. These glass goblets may have been blown in the Southern Netherlands where a flourishing glass industry existed around Liège and Namur. But who engraved the two goblets remains unknown.

This is a remarkable chair: it can actually be folded. Collapsible chairs date back to early Rome and the city's public dignitaries. But in the Dutch Republic of the seventeenth century the chair was also a symbol of civic honour. Which explains the superbly carved decoration. Behind the sculpted lion's head is a hinge. For the rest, the motifs are mainly nautical, including dolphins. Carved beneath the armrests are a triton (sea-deity) and a naiad (sea-nymph). rijksmuseum.nl

This is the earliest surviving jug and dish made in the Northern Netherlands. It was the showpiece of the city of Flushing’s silver collection. An unknown silversmith in Amsterdam made the set. That the city of Flushing commissioned its principal silver ornaments in distant Amsterdam demonstrates the capital’s preeminence as a silver centre. A position that had earlier been occupied by Antwerp. rijksmuseum.nl

A knight in full armour is steadying a restless horse. The animal appears to be bending its back legs, about to buck its rider. The front legs are rigid. Turning slightly to the right, the rider is sitting straight-backed. His sword arm is bent back a little. He is ready to fight. There is nothing in this lively statue to indicate its original function. That is because an essential part of the piece is missing: a spout with a tap in the horse's breast. This is an aquamanile, a 'water jug' for washing the hands. This example is one of the most eloquent thirteenth-century aquamaniles to survive. rijksmeusum.nl

This faience inkstand, mounted in silver, was designed to hold pens in the basin and to hold pots of ink above. Three coats of arms are shown on the inkstand: two lions support shields displaying the arms of the city of Leiden on the left and of Delft on the right. The large coat of arms of Prince William III of Orange is flanked by the motto: ‘vijva oranie’ (Long live Orange). rijksmuseum.nl

Minerva, goddess of wisdom, reclines comfortably on her throne. Her right shoulder is turned slightly back; she would originally have been holding a lance. The book on her arm symbolises wisdom and knowledge. The lost lance, the armour and the helmet with its cock, refer to her other function: goddess of war. Her Roman-like armour is decorated with floral motifs and depicted on Minerva's breastplate is the snake-haired head of Medusa, one of the goddess's characteristic symbols. Minerva looks down to her left, to Cupid, the god of love, standing next to her. rijksmuseum.nl

Hercules lifts his opponent into the air. Standing with his legs apart, he holds Antaeus firmly around the waist with both arms. But Antaeus tries to struggle free, pushing with his left arm against the hero's head. His expression shows the anguish of pain. The muscles of the powerful physiques gleam. This bronze statuette was made around 1600 by an Italian sculptor, working in the style of the famous Fleming, Giambologna. rijksmuseum.nl

A lovely young woman is bathing at a fountain. It is Bathsheba, with whom King David fell in love when he saw her from his palace roof. The story of David and Bathsheba is told in the Old Testament. Jan van Scorel has set this Bible story in an open landscape. The work was painted in around 1545. No later works are known by him. rijksmuseum.nl

The marble bust, a portrait of a man, was made by Hendrick de Keyser in 1608. De Keyser was at that time the leading Dutch sculptor as well as one of the foremost architects of the day. He was one of the first to work in marble, a new material for Dutch sculpture. Realism is characteristic of De Keyser's work: life-like representations. This is well demonstrated in this head of a man. De Keyser has mercilessly depicted the man's wrinkles. De Keyser has used a monster's head, a 'mascaron' to cover the problematic transition between the shoulders and the plinth. This trick was often used in busts of the period. rijksmuseum.nl

An entire city of houses, mills, church spires, a river with boats and even a town wall, country estates and a fort: all this is meticulously portrayed on this römer. The engraving was executed with a diamond-tipped graver. This was often employed on glasses in the sixteenth and seventeenth centuries. It was a difficult method, however. It requires considerable skill to draw on the small, curved surface, while the fragile material breaks easily under pressure. The anonymous artist who decorated this glass was clearly a competent and patient craftsman. rijksmuseum.nl